Elle se produira au TLA le samedi 14 novembre, à 19 heures dans le cadre de la Nocturne danse #51. Afin de présenter l’ensemble de sa carrière et de son travail, notamment à Tremblay, elle a bien voulu répondre à nos questions.
Johana Malédon, qui êtes-vous ?
Je suis chorégraphe et interprète guyanaise, installée en Île-de-France depuis environ treize ans. J’ai grandi en Guyane française, un territoire auquel je reste attachée et dont les dynamiques, les conflits et les complexités continuent de nourrir mon regard. J’ai quitté la Guyane à l’adolescence pour poursuivre ma formation en danse à Paris. C’était une nécessité pour danser, mais aussi un départ plus complexe à cet âge-là.
Mon parcours m’a ensuite menée du Conservatoire de Paris à l’Alvin Ailey School à New York, puis à la Kibbutz Contemporary Dance Company en Israël et au Pôle supérieur Paris Boulogne-Billancourt. Je suis quelqu’un de curieux, passionné par les voyages, les rencontres et les différences. J’ai tendance à beaucoup questionner ce qui m’entoure, à remettre les choses en perspective. La création chorégraphique est l’endroit où ces réflexions prennent forme, se confrontent et se transforment.
Parlez-nous de votre passage par la Kibbutz Contemporary Dance Company, en Israël. Pourquoi cette démarche ?
C’était en 2017. J’avais découvert le travail de la compagnie lors d’une audition à Paris et j’avais été immédiatement frappée par son langage chorégraphique. Une danse très physique, brute, presque viscérale, avec des corps qui semblaient traversés par une urgence. Des corps qui crient, sans forcément prononcer un mot. J’ai intégré un programme de formation international qui permettait de s’immerger dans le travail de la compagnie. Nous vivions dans un kibboutz, en communauté, avec un rythme de travail particulièrement intense.
Après Paris et New York, j’avais envie de partir dans une autre direction, au sens propre comme au figuré. Cette expérience a profondément modifié mon rapport à la danse. J’y ai découvert une « physicalité » qui ne reposait pas seulement sur l’exécution du mouvement, mais sur ce qui semblait le rendre nécessaire. Cette sensation qu’un geste ne pouvait pas être autrement.
Que se cache-t-il sous l’appellation (titre provisoire) et (titre provisoire)+ ?
(titre provisoire) est un solo créé en 2025, dans lequel je partage la scène avec un écran LED que j’appelle ma « boîte à mots ». Il contient aujourd’hui plus de 200 mots et expressions, dans plusieurs langues, qui viennent perturber ce que l’on voit. Un mot suffit parfois à changer notre perception d’un geste ou d’une personne. Le corps tente de répondre, de résister, de se dérober. C’est une pièce en fuite d’identité, où les interprétations se multiplient entre ce qui est écrit, ce qui est montré et ce qui est ressenti.
Le titre participe lui-même de cette recherche : ne pas nommer définitivement l’œuvre, lui laisser la possibilité d’échapper aux définitions. Avec (titre provisoire)+, j’invite une autre artiste, Yoshiko Waki, à investir ce dispositif. L’enjeu est de découvrir ce qu’un autre corps, une autre histoire et une autre sensibilité peuvent y faire surgir.
Vous travaillez beaucoup sur les identités ? Expliquez-nous.
L’identité traverse certaines de mes créations, mais je ne dirais pas qu’elle constitue le centre de tout mon travail. Je pars généralement de questions qui me traversent au quotidien, de comportements, de contradictions ou de situations ordinaires qui continuent de m’interroger. Le corps est un terrain de recherche immense. Il porte des mémoires, des habitudes, des expériences, mais il peut aussi nous surprendre et nous échapper.
Je m’intéresse notamment aux décalages entre ce que l’on ressent, ce que l’on montre et ce que l’on parvient à exprimer. La création me permet d’explorer ces questions sans nécessairement chercher à les résoudre. Ce qui m’intéresse, c’est aussi ce que je découvre en chemin.
« (…) se rendre disponible à l’inconnu. »
Vous travaillez avec la danseuse japonaise Yoshiko Waki ? En quoi consiste votre travail ?
Nous nous sommes rencontrées en Allemagne en 2025, alors que j’étais interprète dans l’une de ses créations. Je me souviens du moment où je l’ai vue entrer dans le studio. J’ai eu un coup de cœur immédiat pour cette femme, sa présence et sa manière d’envisager le travail. Yoshiko est chorégraphe ; elle a plus de 60 ans et n’était pas remontée sur scène depuis une dizaine d’années. Cette rencontre m’a donné envie de lui proposer l’expérimentation (titre provisoire)+, et de découvrir ce que cela pourrait provoquer chez elle comme chez moi.
Pourriez-vous évoquer dear, réalisée avec la scénographe Felicia Riegel et présentée à Vive le sujet ! à Avignon en juillet 2026 ?
dear est une création imaginée avec Felicia Riegel, scénographe basée à Berlin, dans le cadre de Vive le sujet ! Tentatives, un programme de la SACD et du Festival d’Avignon. Notre collaboration a commencé à distance, à travers une correspondance. Nous nous envoyions des propositions et des matières auxquelles l’autre répondait depuis sa propre pratique. Une relation s’est progressivement construite au fil de ces échanges.
Sur scène, nous manipulons des parpaings que nous déplaçons, assemblons et transformons. L’espace évolue au fil de nos actions, entre effort physique, contraintes et ajustements. Comment faire ensemble dans un environnement qui ne facilite pas la rencontre ? Comment y trouver une place pour la douceur ? Ce sont des questions qui traversent la pièce. Cette expérience nourrit également mes recherches pour Trash Hall, ma prochaine création de groupe, prévue la saison prochaine au Théâtre Louis-Aragon, qui explore la marge comme un espace où peuvent s’inventer d’autres manières d’exister et d’agir.
« (…) construire une relation avec un lieu, une équipe et les habitants. »
Présentez-nous vos projets participatifs avec les habitantes et les habitants du territoire : Voilà les femmes et À bientôt.
Voilà les femmes est un projet porté depuis plusieurs années par le Théâtre Louis-Aragon, que j’ai rejoint la saison dernière. Nous avons travaillé autour de la thématique « Tous les je ne sont pas des moi », en explorant l’idée de se raconter en racontant l’autre, à travers la danse, l’écriture, la photographie et d’autres pratiques artistiques. Ce qui m’a particulièrement touchée, c’est de voir ces femmes se rencontrer et se découvrir autrement, dans un espace bienveillant, pensé pour elles. On sentait combien il était précieux d’avoir un espace qui leur appartient, où elles peuvent se retrouver, expérimenter et exister autrement que dans leurs rôles habituels.
Cette saison, Sarah Mendoza-Sauvage, interprète et artiste de la compagnie MÂLE, prend le relais avec Sou-venir. Elle propose d’explorer la mémoire à travers différentes pratiques artistiques, en partant des souvenirs de chacune, mais aussi de ceux qui se fabriquent au fil des rencontres. En parallèle, nous allons réinvestir À bientôt, ma première création de groupe, créée en 2021, qui aborde le départ, l’absence et ce que l’on emporte avec soi. Elle sera transmise à un groupe de danseuses amatrices du territoire, désireuses de s’engager dans un processus de création exigeant. Il ne s’agit pas simplement de reproduire une chorégraphie, mais de permettre à d’autres corps et d’autres histoires de s’en emparer. Les deux projets seront présentés fin mai 2027, dans le cadre du CQFD du Théâtre Louis-Aragon.
Vous êtes en résidence à Tremblay. Expliquez-nous de quoi il s’agit.
Je suis artiste associée au Théâtre Louis-Aragon pour une deuxième saison, dans le cadre du dispositif Territoire(s) de la danse, soutenu par le Département de la Seine-Saint-Denis. Cet accompagnement me permet de développer les différentes dimensions de mon activité : la création, la diffusion des spectacles et les projets artistiques avec les habitants du territoire. J’ai toujours eu envie de faire dialoguer ces aspects plutôt que de les penser séparément.
Ce qui me semble particulièrement important, c’est la durée. Prendre le temps de construire une relation avec un lieu, une équipe et les habitants, de développer une réflexion, de voir les projets évoluer et parfois en faire naître de nouveaux. Cela permet de penser au-delà d’une seule création ou d’une seule saison. On peut vite se sentir seul dans ce métier, notamment lorsqu’on dirige sa propre compagnie. Avoir des personnes avec qui réfléchir, confronter ses idées et construire des projets est précieux. C’est aussi un accompagnement dans mon parcours de chorégraphe, avec la possibilité de prendre du recul et d’envisager la suite.
« un corps-mémoire.»
Comment définiriez-vous le style de danse que vous pratiquez ?
J’ai d’abord pratiqué le sport, notamment la natation et le tennis, avant de me consacrer à la danse. Je pense que cela a participé à construire mon rapport à l’effort, à l’engagement physique et aux possibilités du corps. Ma formation en danse a commencé par le jazz, puis s’est enrichie d’autres pratiques, notamment contemporaines.n Je crois beaucoup à l’idée d’un corps-mémoire, qui conserve les traces de ce qu’il a traversé, même lorsque l’on ne mobilise plus consciemment une technique. Aujourd’hui, ma recherche passe beaucoup par le poids, la gravité, les articulations, la densité et les changements d’états physiques.
Quels sont vos danseuses et danseurs préférés et/ou vos compagnies de danse préférées ?
Je n’ai pas vraiment de danseurs ou de compagnies préférés. Je parlerais plutôt d’artistes dont les œuvres m’ont marquée et continuent d’influencer ma manière de regarder la danse. Je pense notamment à Maguy Marin et Pina Bausch. Ce qui me touche dans leurs œuvres, au-delà de leurs écritures très différentes, c’est la place accordée à l’expérience du spectateur.
J’aime sortir d’une pièce avec la sensation d’avoir traversé quelque chose. Sentir que mon regard a été sollicité, déplacé, que le temps, les répétitions, les ruptures ou les détails ont participé à construire cette expérience. C’est quelque chose qui me guide beaucoup dans mon propre travail. Lorsque je compose, je pense aussi au parcours de la personne qui regarde : ce qu’elle comprend, ce qu’elle anticipe, ce qui lui échappe et ce qu’elle garde après la représentation.
En dehors de la danse, quelles sont vos passions ?
La danse est une passion, mais c’est aussi mon métier, et ce sont deux choses différentes ! Je suis attirée par beaucoup de pratiques créatives : l’écriture, la peinture, la poterie, la photographie, la musique, la décoration intérieure… J’aime l’idée de pouvoir partir d’une matière, d’une sensation ou d’une idée pour la transformer, la transposer ailleurs, lui donner une autre forme.
Propos recueillis par François Milan